Eduardo Sánchez

The Kids Are All Alright de Lisa Cholodenko

2011-02-01T01:17:00.005+01:00

(7)

Interesante película de una desconocida directora, Lisa Cholodenko. Tiene un guión muy solido acompañado de un plantel de actores encabezado por una gran Annette Bening y un esplendido Mark Ruffalo. Lisa sabe llevar la historia, que ella misma ha escrito, con destreza y dejando de lado la acelerada fotografía que suelen presentar las películas americanas y adquiriendo el discurso narrativo que suele observarse en el cine centro europeo.

En cuanto a la BSO, Fever Ray y Vampire Weekend durante la película y en los créditos finales el temazo The Youth de grupo de brooklyn MGMT, de autentico lujo.

Escena #1

2011-01-31T21:56:00.003+01:00

Escena de una película de Paul Thomas Anderson:

-Claudia Wilson Gator: No sabes lo jodidamente estúpida que soy.

-Jim Kurring: Da igual

-CWG: No sabes lo loca que estoy.

-JK: Da igual.

-CWG: Tengo problemas, vale?

-JK: Lo tomaré todo como venga, sabré escucharte.

-CWG: Empecé esto y no, y no... joder!

-JK: Lo que sea, dilo, dilo.

-CWG: Quieres besarme Jim?

-JK: Sí quiero

Se levantan de sus sillas ruidosamente y se besan por encima de la mesa.

La Trampa de la Muerte de Sydney Lumet (1982)

2010-06-28T01:55:00.007+02:00

Dirección: Sydney Lumet
Guión: Ira Levin
Adaptación: Jay Presson Allen
País: Estados Unidos
Año: 1982
Duración: 116 minutos
Género: Thriller

Interpretación: Michael Caine, Christopher Reeve, Dyan Cannon, Irene Worth,Henry Jones

Todos los sociopatas a escena por Eduardo Sánchez

El cine y el teatro van de la mano en una película llena de ambición por el éxito. La Trampa de la Muerte está basada en la novela del escritor americano Ira Levin, autor de Rosemary’s Baby, y adaptado por Jay Presson Allen. La película es dirigida por el prestigioso director Sydney Lumet, de la que vemos claras influencias del cine de Hitchkock, y en ocasiones, del director norte americano Woody Allen, en los toques de humor que se suceden durante el film.

Un estudiante (Christopher Reeve) de literatura entrega a su profesor (Michael Caine), un conocido escritor, el manuscrito de su primera novela. Desesperado y angustiado por obtener un nuevo éxito, el famoso novelista planea asesinar al joven desconocido y apropiarse de su obra.
Estamos ante una película dividida en tres actos muy diferenciados. Un primer acto, cuando se presenta el personaje de Sydney Bruhl, interpretado por Michael Caine, un acto menos denso que los dos siguientes. En el segundo acto, la mayoría de las escenas se desarrollan en la casa y se presentan más personajes que irán impulsando la trama de esta enrevesada película, Myra Bruhl (Dyan Cannon) , Clifford Anderson(Christopher Reeve ) y Helga Ten Dorp (Irene Worth ). Este segundo acto termina con la muerte de Myra Bruhl , que sufre un ataque al corazón provocado por “la vuelta a la vida” de Clifford Anderson, al que previamente había asesinado Sydney Bruhl, y hay un fundido a negro tras un beso entre Clifford y Sydney revelando asi la relación secreta entre maestro y estudiante.

En el tercer acto se presenta un nuevo personaje, Porter Milgrim, interpretado Henry Jones. Es el abogado de Sydney y es que provoca una nueva trama entre los dos personajes masculinos del film, basada en la desconfianza. Durante este acto, todo se va a volver en contra de Sydney hasta llegar a un desenlace, que el espectador no debe esperar.

Toda esta estructura tiene que ver más con el teatro, y es que el director ha decidido planificar la película de una manera muy teatral. La disposición del salón es claramente la que tendría una escena en el teatro. En ocasiones, el director, utiliza planos secuencia para convertir la escena en una escena más cinematográfica. Los personajes también actúan como si de una obra se tratara, pasean por toda la escena mientras dialogan con la cámara observando como un espectador más. El juego de alturas entre diferentes partes del decorado, una escalera de caracol que lleva a la planta de arriba, innumerables detalles que realmente hacen que el espectador crea que se trata de una obra de teatro.

Los personajes están muy marcados y exagerados. El protagonista es un escritor de prestigio venido a menos y que se plantea cualquier cosa para llegar al éxito. Un joven estudiante que tiene apariencia afeminada, e incluso en un momento del film se hace mención a ello. Una mujer que sufre del corazón y vive todo al borde la de histeria. El personaje de la vidente que adelanta acontecimientos de la trama y al mismo tiempo da la chispa de humor al film, este rasgo es muy característico en las películas de Woody Allen. Y por último el abogado que desconfía del joven secretario y que desencadena el acto final. Todos los personajes muy marcados en sus interpretaciones nos llevan de nuevo al teatro.

Particularmente me parece una adaptación y una dirección muy acertada, aunque hay excesos de complicación argumental. El espectador se puede perder ante tantos giros inesperados. La película termina donde empezó, en el teatro, aunque parezca que hayamos visto una obra de teatro durante todo el film.

Drácula (de Bram Stoker) de Francis Ford Coppola (1992)

2010-06-07T09:16:00.010+02:00

TÍTULO ORIGINAL: Bram Stoker's Dracula

AÑO: 1992

PAÍS: Estados Unidos

DIRECTOR: Francis Ford Coppola

GUIÓN: James V. Hart (Novela: Bram Stocker)

MÚSICA: Wojciech Kilar

FOTOGRAFÍA: Michael Ballhaus

REPARTO: Gary Oldman, Anthony Hopkins, Winona Ryder, Keanu Reeves, Cary Elwes, Monica Bellucci, Sadie Frost, Tom Waits, Bill Campbell

Drácula es en blanco y negro por Eduardo Sánchez

" He tenido la oportunidad de visionar esta película varias veces desde su estreno, y cuanto más la veo, más me gusta Nosferatu de Friedrich Wilhelm Murnau."

La imagen del vampiro, que tantas revisiones ha recogido durante el siglo XX en el cine, bebe del romanticismo decimonónico de Bram Stoker. Si es cierto que ésta imagen ha paseado por todos los estilos y recursos para representar dicha figura a través de la lente cinematográfica. Y es que para llegar a la versión de Coppola hemos ido caminando desde Nosferatu de Murnau, pasando por Vampyr de Dreyer , sin dejar atrás a Lee y Lugosi, hasta llegar al año 1992 a una nueva revisión de la temática “vampirista”, una vesión recargada y magnificente .

En el año 1890, el joven abogado Jonathan Harker viaja a un castillo perdido a Transilvania, en el este de Europa, siendo allí capturado por el conde Drácula, que viajará hasta Londres inspirado por una fotografía de la prometida de Harker, Mina. Ya en Inglaterra, el conde iniciará su intento de conquista y reinado de seducción y terror, absorbiendo la vida de la mejor amiga de Mina, Lucy.

He tenido la oportunidad de visionar esta película varias veces desde su estreno, y cuanto más la veo, más me gusta Nosferatu de Friedrich Wilhelm Murnau. Y no es por menos preciar la película de Coppola, es más bien que se suman unas características que hacen que la película ostentosa y superficial de éste no llegue a convencer.

No deja de ser la misma historia pero realizada para que se le reconociera la inversión en maquillaje y vestuario, así reconocido en los premios Oscars de ese mismo año, con tres nada menos.

Me declaro fan incondicional de la destreza de Coppola con la cámara, incluso en esta película. Encuadres perfectos y delicadeza en las secuencias. No debemos olvidar que estamos ante el director de películas como la magnifica triología de El Padrino.

Vestuarios, maquillajes y decorados hipercargados, y desde mi punto de vista, innecesarios para contar esta historia. No estamos ante un proyecto fallido por su baja calidad, pero en cualquier caso no es tan necesaria. Todo es recargado en la película de Coppola, tanto que la misma historia se ve ensanchada por prologo ajeno a la obra original. Este prologo facilitará la narración de la historia que ya conocemos.

En cuanto al reparto, Gary Oldman está increíble en el papel del Conde . Keanu Reeves y Winona Ryder simplemente están, aunque esta última esté mejor que el chico Matrix. Anthony Hopkins nos regala otra gran actuación.

Parece que estemos ante una película de referencia, tanto para los amantes del cine como los amantes de la semiótica. En cualquier caso, me reitero, cuanto más la veo más me gusta Nosferatu, y si es con música en directo, como he tenido la oportunidad de ver, mejor que mejor.

C.R.A.Z.Y. de Jean-Marc Vallée (2005)

2010-06-01T16:27:00.010+02:00

TÍTULO ORIGINAL: C.R.A.Z.Y. (CRAZY)

AÑO: 2005

DURACIÓN: 127 min.

DIRECTOR: Jean-Marc Vallée

GUIÓN: Jean-Marc Vallée, François Boulay

MÚSICA: Varios

REPARTO: Michel Côté, Danielle Proulx, Marc-André Grondin, Émile Vallée.

De la mano de Bowie por Eduardo Sánchez

"[...]una montaña rusa[...]el director navega por la historia del pasado siglo mostrándonos todos los arquetipos que recogían los 20 años durante los que se desarrolla la película."

Homosexualidad, drogas, familia y un poco de historia de la música del siglo XX son los ingredientes de este film canadiense, de la que podemos reconocer claras influencias del cine europeo más que de su país vecino.

C.R.A.Z.Y. narra el relato de un niño, y luego el de un adolescente "diferente", que renegará desu naturaleza más profunda para no perder el amor de su padre. De 1960 a 1980, rodeado de sus hermanos, de Pink Floyd y los Rolling Stones, entre las vueltas en moto para impresionar a las chicas, los porros fumados a escondidas, las grandes y pequeñas discusiones y, sobre todo, un padre al que intenta volver a encontrar con desesperación.

Estamos ante una película que tiene forma de una montaña rusa. Desde su comienzo el director intenta enganchar al espectador con la historia de Zac. Éste nace el mismo día de Jesucristo siendo así dotado de ciertos poderes con los que puede curar ciertas dolencias. Partiendo desde esta pintoresca característica, el director navega por la historia del pasado siglo mostrándonos todos los arquetipos que recogían los 20 años durante los que se desarrolla la película.

La intención del director es hacer llegar la historia de una familia que cambia con la llegada de un chico totalmente diferente, con personalidad definida, frente a sus hermanos que no tienen nada de especial, es mas representan varios estereotipos, el deportista, el inteligente o el problemático.

Zac quiere que su padre, un hombre tosco y con la mente cuadriculada, lo entienda y que éste vuelva a quererlo.Jean-Marc Vallée mezcla todo esto con buena música de la época tales como el legendario David Bowie, Rolling Stones o Pink Floy. En algunos momentos del film parece que si no fuera por la música habrían sido momentos vacios, sin vida, y es porque la música, esta música en particular, es parte de la historia. La música como parte de la historia, del guión.

Los momentos mas surrealista tienen que ver con la mente del protagonista, él es diferente, y esta es la forma en la que Vallée ha querido mostrarlo. El onirísmo está presente en la película para que podamos entender más a Zac, trasladarnos a su mundo, su mente al fin al cabo.

Zac se evade con David Bowie, se aleja del mundo que le rodea con temas como Space Oddity, que lo catapulta a un lugar donde es feliz, donde puede ser como realmente es y pintarse la cara si lo desea.

Cuando termina el film tengo la sensación de que algo me falta, esa sensación de haber dejado algo encendido o haber dejado algo por hacer y que olvidamos. Esta sensación no es buena. Aun así me parece una película bastante buena pero que a veces puede llevar un “traje” que le queda un poco grande.

Lucia y el sexo de Julio Medem (2001)

2010-05-22T22:34:00.005+02:00

TÍTULO: Lucía y el sexo

AÑO: 2001

DURACIÓN: 129 min.

DIRECTOR: Julio Medem

GUIÓN: Julio Medem

MÚSICA: Alberto Iglesias

REPARTO: Paz Vega, Tristán Ulloa, Najwa Nimri, Daniel Freire, Javier Cámara, Silvia Llanos, Elena Anaya, Diana Suárez, Juan Fernández, Arsenio León, Javier Coromina.

"[...]más de dos horas de desconcierto en la que el espectador se distrae con cualquier cosa menos con la película."

Nunca con tanta luz se vio tan poco por Eduardo Sánchez

Luz y sexo inunda la pantalla. La nueva película de Medem comienza a sonar en todo los medios pos su escenas explicitas de sexo que suceden durante casi toda la película y también por la participación de actores muy conocidos por teleseries.

Es el cine una imagen en movimiento contemplada por personas que esperan formar parte de ese mundo pero hay veces, este es el caso, que el director hace un acto de onanismo y el espectador sale con la sensación de haber pagado por otra cosa totalmente diferente por la que realmente creía que pagaban.

Lucía es una joven que trabaja como camarera en el centro de Madrid. Tras la misteriosa desaparición de su novio, un escritor, decide marcharse a una tranquila isla mediterránea. La libertad que siente allí le hace enfrentarse a los rincones más oscuros de su pasada relación con el escritor, como si se tratara de una novela.

En realidad he tenido que consultar la sinopsis en internet porque no sabría explicar con claridad la historia de esta película. Creo que este problema lo tuvo el propio director que sufrió una lucha interior con el guión escrito, por él, y con lo que la cámara estaba recogiendo.

Además hay momentos y escenas que enturbian la historia. Son el sexo explicito y los paisajes tan luminosos que contiene el film. Se le da mucha importancia al sexo y la historia sufre grandes altibajos, el espectador no puede seguir la historia con el impacto de imágenes tan explicitas a las que el cine no nos tiene acostumbrados. ¿Cuál es el resultado? más de dos horas de desconcierto en la que el espectador se distrae con cualquier cosa menos con la película.

Se reconoció a Paz Vega con el Goya a la actriz revelación, merecido premio al ser su primera película con un papel importante, y a su vez de difícil interpretación. Alberto Iglesias también consiguió, de nuevo, otro Goya por una gran banda sonora.

El film de Medem aburre, son dos horas de desconcierto continuo. Este director vasco, que empezó su carrera en el mundo de cine con muy buen pie se está “vaciando” película tras películas, y hablo de Caotica Ana y Habitación en Roma, que sigue usando la fórmula del morbo, que el sirvió en Lucia y el Sexo, para llamar a los espectadores deseoso de morbosidad.

Your Name is Justine de Franco de Peña (2005)

2010-05-22T17:58:00.007+02:00

TITULO: Masz na imie Justine (2005)

AÑO: 2005

DURACIÓN: 97min

DIRECTOR: Franco de Pena

GUIÓN: Chris Burdza, Franco de Pena, Tomasz Kepski

REPARTO: Anna Cieslak, Jale Arikan, Mathieu Carrière, Jean-Marc Calderoni, Arno Frisch, Rafa Mackoviak.

"El director consigue transmitir al espectador la sensación de su protagonista, de total sumisión y esclavitud"

¡Bienvenidos, esto es Europa! por Eduardo Sánchez

Y desde el primer minuto nos sumergimos en la vieja Europa, Polonia para ser exactos. Todo, cada plano, cada actor, cada paisaje, la música, todo nos sitúa en una típica película europea. El cine que se hace en el viejo continente ya puede considerarse un género especial, al menos todas la películas europeas guardan las mismas características entre ellas.

Mariola vive con su abuela en Polonia. Mariola está muy ligada a sus dos mejores amigas pero se enamora de un ex compañero del colegio, Arthur. Su relación es perfecta y su confianza plena, por lo que acepta la invitación de Artur para viajar por Europa y visitar a sus padres en Alemania. Lo abandona todo por ese amor incondicional, pero durante el viaje pasan cosas extrañas y nada es lo que parece.

El espectador europeo se cohíbe con la cinta de Franco de Peña, la dureza y la frialdad con la que trata el tema sorprende al espectador que piensa que este tipo de cosas quedan muy lejos de la sociedad europea. Esta película reabre el debate del cine como denuncia, y no solo como mero entretenimiento.

¿Puede ir el cine más allá del entretenimiento? La respuesta es sí, y para ejemplo esta película y otras tantas que suele darnos el cine europeo. Esta temática es muy normal verlas en las películas sudamericanas, es aquí cuando encontramos una pequeña relación con su director, que es venezolano.

Francisco de Peña no tiene ningún problema para sumergirse en el mundo polaco, púes se crió en Polonia. El director consigue transmitir al espectador la sensación de su protagonista, de total sumisión y esclavitud. Lo hace perfectamente contraponiendo lugares abiertos, claros y muy grandes, frente a lugares oscuros, inhóspitos y cerrados.

Es así que lo único que cabe resaltar de esta película es la acertada dirección del director. A pesar del multitudinario reconocimiento que ha recibido la actriz protagonista, personalmente no me transmite lo que el propio director consigue transmitir con la cámara.

Caché de Michael Haneke (2005)

2010-05-22T00:44:00.011+02:00

TÍTULO ORIGINAL: Caché
AÑO: 2005
DURACIÓN: 117 min.
DIRECTOR: Michael Haneke
FOTOGRAFÍA: Christian Berger
REPARTO: Daniel Auteuil, Juliette Binoche, Maurice Bénichou, Annie Girardot, Lester Makedonsky, Bernard Le Coq, Walid Afkir, Daniel Duval

"Haneke nos muestra a modo de radiografía la evolución de dicha enfermedad . Ésta radica en la violencia contenida del ser humano"

El video de Michael por Eduardo Sánchez

Cuando comenzamos a ver una película de Michael Haneke es inevitable plantearse una cuestión, ¿De qué modo nos sorprenderá esta vez? La sorpresa siempre llega en la forma en la que usa la cámara, la forma de mostrarnos la historia que siempre nos quiere mostrar.

Como si de una enfermedad se tratara, Haneke nos muestra a modo de radiografía la evolución de dicha enfermedad. Ésta radica en la violencia contenida del ser humano. Imágenes, como la del cerdo de El video de Benny (1992), que contienen una gran carga desagradable pero el ser humano, enfermo, no puede dejar de mirar.

George (Daniel Auteuil), presentador de un programa cultural en televisión, tiene una vida acomodada junto a su mujer (Juliette Binoche) y su hijo adolescente. Un día recibe un paquete que contiene videos, videos grabados desde la calle, y dibujos que esconden un misterio. Se desconoce quién envía estos paquetes, a la vez que suceden las secuencias, los videos se van volviendo más personales. Parece que el remitente conoce a George desde hace un tiempo. La situación alarma a esta familia, que a pesar de sentirse amenazados, la policía no puede ayudarlos al no haber evidencias de delito.

Puede considerarse un “nuevo género” de terror, un cine que sugiere e implica al espectador. Imágenes fijas que congelan a ambos lados de la pantalla, planos larguísimos llenos de interpretaciones. Todo esto engloba Caché, al mismo tiempo los dos actores protagonistas se van agrandando a medida que la película va sucediendo.

Muy acertado el reconocimiento que recibió, tanto Haneke como la película en sí. Haneke fue premiado a mejor dirección en Cannes en el año 2005. Ese año, Caché sería la gran triunfadora de los premios europeos con cinco galardones, incluyendo mejor película.

Cuando el espectador cree que va a encontrarse con un final resuelto, el director termina con un plan fijo y los créditos comienzan a aparecer en la pantalla. El espectador tiene la pelota en su tejado.

Moon de Duncan Jones (2009)

2010-04-05T13:48:00.015+02:00

TITULO ORIGINAL: Moon

DIRECTOR: Duncan Jones

GUION: Duncan Jones, Nathan Parker

MÚSICA: Clint Mansell

FOTOGRAFÍA: Gary Shaw

REPARTO: Sam Rockwell, Kaya Scodelario, Matt Berry, Malcolm Stewart, Benedict Wong, Dominique McEligott, Robin Chalk, Kevin Spacey.

GENERO: Ciencia Ficción

AÑO: 2009

Moon, El ataque de los Clones por Eduardo Sánchez

"La película tiene un guión solido pero pierde un poco de fuerza en algunos pasajes del film. Esta película es el No-Avatar[...] dirigida aquellos que prefieren que una película de ciencia ficción le haga reflexionar, como en su tiempo lo hizo Stanley Kubrick o Ridley Scott"

Moon es la película debut del director Duncan Jones, más conocido por ser el hijo del mito David Bowie. Nos presenta una película de ciencia ficción sin tener una inversión millonaria a lo que este género nos tiene acostumbrados. No estamos ante el “precocinado” cine de palomitas, el film se apoya sobre un guión solido, aunque a veces con debilidades. No cabe duda que nos provoque alguna que otra pregunta en nuestra cabeza, algo que hoy en día escasea en el cine.

La ópera prima de Jones nos recuerda inevitablemente a películas como “2001, Una Odisea en el Espacio”, “Alien, El octavo pasajero”, “Blade Runner” o “Atmosfera Cero” de las que Duncan es un fan reconocido.

Sam, interpretado magníficamente por Sam Rockwell, es un hombre destinado a una estación lunar por un periodo de tres años. Cuando va llegando la fecha de volver a la Tierra un accidente cambiará la situación de la estación y se dará cuenta que no es el único “humano” en la nave. Descubrirá que la empresa que lo contrató no está siendo del todo clara con él.

Así se plantea el film de Jones, un juego de mentiras y verdades, nada es lo que parece. Todo esto sucede en la soledad de una estación lunar, lejos de su esposa y su hija pequeña, la única compañía que tiene Sam es un robot, Gerty, interpretado en la versión original por Kevin Spacey.

Es muy interesante subrayar el bajo presupuesto que tiene esta película y que a pesar de todo tiene una fotografía muy cuidada, y unos efectos sonoros y visuales nada envidiables a otras películas del género.

A los cinéfilos les puede jugar una mala pasada el bagaje cinematográfico ya que podemos tener prejuicios con algunas situaciones y/o personajes del film provocándonos una inesperada sorpresa al final de la película, no hablo de sorpresas típicas en el cine de suspense sino mas bien a sorpresas creada por la mente del mismo espectador, nada que ver con juegos narrativos por parte del director o giros inesperados del guión.

Los dos temas que toca el film son la identidad y la soledad. La soledad viene reflejada por la dirección de la cámara, el plano lento y sin demasiados cortes, usado varios planos secuencia recorriendo toda la nave, esto hace que el personaje parezca más pequeño en una nave que parece más grande a medida que pasan los días.

El tema de la identidad va más ligado al guion del film, el personaje va descubriendo que no está solo en la nave, pero al mismo tiempo está más solo ya que realmente él es una invención de la propia empresa. ¿Cuál es el verdadero Sam? Se crea una duda en el personaje y/o los personajes, y al mismo tiempo en el espectador. ¿Qué es real y hasta donde llega lo irreal?

La película tiene un guión solido pero pierde un poco de fuerza en algunos pasajes del film. Esta película es el No-Avatar, frente al gigantesco presupuesto de la película de Cameron, aparece una película sin apenas presupuestos y dirigida aquellos que prefieren que una película de ciencia ficción le haga reflexionar, como en su tiempo lo hizo Stanley Kubrick o Ridley Scott.

La Hypothèse du Tableau Volé

2010-04-04T16:44:00.009+02:00

"La Hypothèse du Tableau Volé es una de esas películas que te descolocan en los primeros minutos.

Tiene momentos que consigue engancharme totalmente, soy un personaje más de los cuadros que va explicando."

Si es verdad que hay momentos en el film que podríamos llamar puntos muerto donde el profesor nos va explicando lentamente los cuadros y cuál es la figura del artista, entre otros temas, donde la película parece ralentizarse.

Me parece muy interesante la manera en la que va explicando los cuadros y la relación entre ellos. La forma narrativa usada en el film dota de credibilidad a los argumentos que va explicando el profesor. El espectador tiene que permanecer en todo momento atento si se quiere asimilar la explicación del profesor, se da mucha información en muy poco tiempo.

¿Aburrida? A veces hay momentos, como he dicho líneas más arriba, que a pesar de no existir una acción como tal consigue hipnotizarme, aunque despierte de la hipnosis rápidamente.

Creo que la explicación del cuadro en el que acontece un escándalo público se extiende demasiado, llega un momento en la explicación que termino perdiendo el hilo. No es necesario tan extensa explicación, el propio profesor se echa a dormir un rato.

¿Qué función tiene el narrador? Es una de las preguntas que me sigo haciendo. El narrador se pronuncia en algunos momentos del film, para aclarar algo en concreto o aprovechar para decir algo en lo que difiere con el profesor.

Todo queda abierto en un film que parece complejo, tal vez lo complicamos nosotros, el mismo espectador se para a pensar en una complejidad que probablemente no exista, la película es lo que vemos, sin más.

Ana y Los Lobos de Carlos Saura (1972)

2010-03-06T17:39:00.003+01:00

“Tenía pensado poner En tierra Hostil, pero se escuchaba mal (…) Otra de las películas que barajé fue Un Profeta, pero también tenía problemas para escucharse (…) He decidido poner una película española, una película de Carlos Saura”

Esto fue lo que precedió a la proyección de la película. Tenía muchas ganas de ver las dos películas que no pudo poner finalmente, y ante la variopinta filmografía de Carlos Saura, me entró un poco de pavor. No es que considere que Saura sea un mal director, todo lo contrario, mi problema es que las historias y temas que trata en sus películas no terminan de engancharme,salvando grandes películas como ¡Ay, Carmela! . Entonces llegó Ana y los Lobos.

Lo que más me ha sorprendido de la película es la fecha en la que está realizada. La película te engancha a la vez que van pasando los minutos. Saura va creando una gran “bola” que sale disparada en mil pedazos al final de la película. Tiene mucho que ver el guión de Rafael Azcona. Una historia muy bien construida, al igual que unos personajes muy marcados. Para mí,este es el gran secreto del cine y ésto lo saben hacer a la perfección los Hermanos Coen. Es importante la figura del director, pero estamos ante una película en la que el peso principal recae sobre el guión y los actores.

En resumen, una grata sorpresa, quizás no era la hora ideal para ver Ana y los lobos pero aun así me sorprendió y a medida que pasaba el día más cosas pensaba sobre la película. Esta película ha despertado una pregunta dentro de mi cabeza ¿Por qué hay tanta diferencia, en muchos sentidos, del Carlos Saura de antaño con el Carlos Saura actual?